Buscar este blog

Cargando...
"Soy un bicho de la tierra como cualquier ser humano, con cualidades y defectos, con errores y aciertos, -déjenme quedarme así- con mi memoria, ahora que yo soy. No quiero olvidar nada."



José Saramago

jueves, 19 de enero de 2017

DIPLOMADO EN POESÍA UNIVERSAL 2017 EN LA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE VALPARAÍSO, SEDE VIÑA DEL MAR





El Área de Extensión de la Facultad de Filosofía y Educación de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso le invita a participar en el Diplomado en Poesía Universal- Viña del Mar, iniciativa que propone ser una instancia de conocimiento, análisis y reflexión acerca de los grandes temas, autores y obras de la poesía universal desde sus orígenes hasta la actualidad.

Este programa cuenta con destacados académicos del país y quienes participen obtendrán un diploma entregado por la Universidad.

Para conocer más detalles sobre este diplomado visitar el siguiente LINK


El cierre de las inscripciones vence el 31 de marzo de 2017 y para obtener más información escribir al correo: extension.facfil@pucv.cl – número de celular:
+569 81 27 22 88.


DIPLOMADO EN LITERATURA ESPAÑOLA 2017 EN LA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE VALPARAÍSO, SEDE VIÑA DEL MAR






DIPLOMADO EN LITERATURA EN LENGUA INGLESA 2017 EN LA UNIVERSIDAD CATÓLICA DE VALPARAÍSO, SEDE VIÑA DEL MAR





sábado, 14 de enero de 2017

MÁS IMÁGENES DE LA PRESENTACIÓN DEL LIBRO DE POEMAS "TRÁNSFUGO" DE ANDRÉS MORALES (EDITORIAL DESBORDES) EN LA FUNDACIÓN NERUDA DE SANTIAGO (SALA "ESTRAVAGARIO") DEL DÍA VIERNES 6 DE ENERO DE 2017




















PROGRAMACIÓN DE LA FUNDACIÓN NERUDA EN LA CASA-MUSEO "LA SEBASTIANA" DE VALPARAÍSO, CHILE, EN LOS MESES DE ENERO Y FEBRERO DE 2017









RESEÑAS VII FESTIVAL CULTURAL
LA SEBASTIANA

enero-febrero de 2017


viernes 20 de enero / 20:00 hrs.
Recital de Manuel Silva Acevedo
Premio Nacional de Literatura 2016

Manuel Silva Acevedo nació en Santiago en 1942. Estudió en el Instituto Nacional, donde fue presidente de su Academia de Letras, el Instituto Pedagógico y la Escuela de Periodismo de la Universidad de Chile. Hasta el golpe de Estado de 1973, trabajó en la Editora Nacional Quimantú. Ha sido reconocido con el Premio Trilce, 1972; Libro de Oro, 1977; Premio Eduardo Anguita, de la Editorial Universitaria, 1997; Premio Jorge Teillier, de la Universidad de La Frontera, 2012 y el Premio Nacional de Literatura 2016. Ha publicado los libros: PerturbacionesLobos y ovejas; Monte de Venus; Palos de ciego; Desandar lo andado; Canto rodado; Suma alzada, edición antológica; Día quinto; Campo de amarte; Escorial; Contraluz; Lazos de sangre; Punto de fuga y A sol y a sombra. Selección antológica 1967-2015.

sábado 21 de enero / 12:00 hrs.
Inauguración exposición “Los Oficios”
del artista Guillermo Martínez

Guillermo Martínez nació en Santiago en 1946. Estudió en la Escuela  de Artes Aplicadas y en la Escuela de Grabadores Forun- Grafik de Malmó Suecia. Ha realizado exposiciones en Santiago, Estocolmo, Lund, Gerona, Granada, Casa-Museo de Fuente Vaqueros, (casa natal de García Lorca en Andalucía), Copiapó y Valparaiso.  Escritor y pintor, ha publicado cuentos y novelas, artículos en los periódicos Diario Atacama, Diario Chañarcillo, El Papiro y diario virtual Atacama viva. Actualmente forma parte del directorio de la Sociedad de Escritores de Chile. La exposición, de xilografías y tintas, estará en exhibición hasta el domingo 26 de febrero.

sábado 21 de enero / 20:00 hrs.
Tributo a Duke Ellington

El guitarrista Federico Dannemann, junto a destacados músicos, presenta este nuevo proyecto tributando a uno de los grandes nombres del jazz, repasando su extensa y rica historia creativa: Duke Ellington. El quinteto, que combina avezados solistas, como Sebastián Jordán en trompeta o Daniel Rodríguez en batería, también incorpora talentos emergentes, como lo son Milton Russel en bajo y Sebastián Castro en piano, cuenta con la participación especial de Natalia Ramírez en voz.

jueves 26 de enero / 21:00 hrs. (Muelle Prat)
Festival de las Artes Valparaíso
Poesía A Cielo Abierto / Lectura en lanchas

Soledad Fariña
Catalina Lafertt
Raúl Hernández
Jaime Luis Huenún
Antonio Rioseco

(Cupos limitados / Inscripción previa en CNCA)

Producen:
Fundación Pablo Neruda
A Cielo Abierto / Festival de Poesía de Valparaíso

viernes 27 de enero / 20:00 hrs.
Concierto Grupo Lúamar

El grupo debe su nombre a la fusión de aguas que se produce a partir de los lugares de procedencia de sus integrantes: por un lado, el río Lúa, nombre ancestral que da origen a la ciudad de La Ligua y, por otro, Viña del Mar. Lúamar está formado por Marcela Donoso, reconocida intérprete de repertorio de Nueva Canción y Canto Nuevo a través de los míticos "Jueves Folklóricos de Villa Alemana", junto a los músicos Sergio Barbet, Nelson Niño, Cristian Sandoval y Gonzalo Cortés. Entre los años 2015 y 2016 grabaron su primera producción discográfica consistente en catorce piezas musicales emblemáticas de la Nueva Canción Chilena y el Canto Nuevo.

sábado 28 de enero / 12:00 hrs.
Presentación del libro “Versos en el horizonte de la isla”
de Carlos Chacón Zaldívar y Yuri Pérez

Un libro que tiene por objeto; “difundir la obra de poetas cubanos contemporáneos”. En este sentido, La Universidad de Matanzas y Ediciones Casa de la Cultura de la Municipalidad de San Bernardo, Chile, tomaron el desafío de definir y concretar la idea.  Así, este libro, reúne a una cantidad apreciable de autores nacidos desde los años 40, hasta los exponentes más jóvenes, aquellos nacidos en la década de los 80 y comienzos del 90.  . Esta obra, es una innegable contribución para entender la poesía cubana y reconocer, a partir de ahí, la notable textura y factura de los textos antologados. Y es que, no queda más que celebrar la capacidad innata que tienen estos autores, para entender el acto poético como un trabajo agotador, mágico y absolutamente necesario para vivir, para respirar y para dialogar con los otros. El libro será presentado por los poetas Yuri Pérez y Sergio Muñoz Arriagada.

sábado 28 de enero / 20:00 hrs.
Ceremonia final del proyecto
 “La vida en versos, Lira Popular en Valparaíso”
del poeta popular Claudio Lazcano

El proyecto FONDART "La vida en versos, Lira popular en Valparaíso" consiste en la creación de Liras Populares de actualidad desde una visión porteña, el día jueves 26 de enero de 2016 se dará muestra a todo el trabajo realizado durante todo el año 2016 por el poeta Claudio Lazcano y el ilustrador Sebastián Clover. Además, contaremos con la participación artística de Cecilia Astorga, Carlos Muñoz Aguilera "El Diantre" y La vida en versos Banda.

viernes 03 de febrero / 20:00 hrs.
Presentación del libro “Antología Poética Chile”

Este libro es resultado del Encuentro de Poetas que se hace cada año en el Humedal de Concón. Participan en el libro los escritores: Patricio Manns, Teresa Calderón, Erick Pohlhammer, Álvaro Inostroza, Uri Lizana, Juan Antonio Salas, Marianela Puebla, Norma Quilamán, Rossana Arellano, Alan Muñoz, Emilio Neira, Inés Zeiss y Ramón Lizana.

sábado 04 de febrero / 12:00 hrs.
“La poesía de Violeta Parra”

Un acercamiento desde el canto popular y la poesía al universo que es Violeta Parra, en el inicio de su centenario. Realizado en conjunto con Escuelas de Rock y Rockódromo 2017.

Manuel Sánchez (músico y payador)
Ricardo “Charro” Núñez (músico)
Sergio Muñoz Arriagada (poeta)

sábado 04 de febrero / 20:00 hrs.
Recital Talleres de Poesía de La Sebastiana

El Taller de Poesía de La Sebastiana ha funcionado ininterrumpidamente desde 1994. Es dirigido por los poetas Sergio Muñoz e Ismael Gavilán, y sesiona los viernes de abril a diciembre. Esta lectura reúne a gran parte de los jóvenes poetas que han asistido al taller y han publicado libros. Leerán: Karen Toro; Rodrigo Arroyo; Raimundo Nenén; Cristóbal Sepúlveda; Juan Eduardo Díaz; Daniel Tapia; América Merino; Claudio Gaete; Andrés Urzúa de la Sotta; Antonio Rioseco; Fernando Ortega; Pablo Suazo; Mario Borel; Gladys Mendía; Ángela Barraza; Jaime Araya; Rocío Figueroa; Natalia Rojas; Felipe Poblete Rivera; Vicente Rivera; Camila Paz Sión; Alberto Cecereu; Marcela Parra y Guillermo Mondaca.

viernes 10 de febrero / 20:00 hrs.
Presentación del grupo Guitárregas

El conjunto de guitarras “Guitárregas” se conforma el año 2001 al interior de la carrera de Pedagogía en Educación Musical de la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso, con la intención de crear un espacio de expresión para el aprendizaje guitarrístico, que abarcará desde la ejecución técnica individual hasta la composición y presentación de obras para orquestas de guitarras, según el formato de la música de cámara instrumental. Su director y fundador es el Maestro Daniel Díaz Cerda, Concertista en Guitarra y Licenciado en Música. A nivel internacional, han ofrecido una serie de conciertos en Argentina.

sábado 11 de febrero / 12:00 hrs.
Palabra Danzada / Danza contemporánea

4 Danzas y 1 improvisación

- La Mentira: Fernanda Carrasco y Victor Soto.
- De Morfos: Fernanda Carrasco
- El Pingüino: Gonzalo Venegas
- Vértice Corpóreo: Gabriela Navarro
- Improvisación

sábado 11 de febrero / 20:00 hrs.
Concierto de Pedro Villagra y La Pedroband

La Pedroband presenta un avance de “Fáciles de piel”, en un espectáculo que incluye musicalizaciones de la poesía de Pablo de Rokha y una selección de los discos más recientes de la banda; “Convite a la Danza” y “Rebulú”. Músico, compositor y ex integrante de bandas como Santiago del Nuevo Extremo e Inti-Illimani, Pedro Villagra ha creado piezas musicales en base a textos propios y de poesía de autor y ha interpretando sus versos en diferentes claves de baile junto a La Pedroband. En 2010 logró la consolidación del género al recibir el Premio APES al mejor disco del año por su álbum “Convite a la danza”. En septiembre pasado Pedro Villagra se hizo cargo de la dirección musical del evento conmemorativo “Mil Guitarras para Víctor Jara” en la Plaza La Paz del Cementerio General de Santiago. En fecha casi simultánea realizó el concierto homenaje al poeta Pablo de Rokha y estrenó el video “Zurzulita” basado en musicalizaciones de su poesía.


CENTRO CULTURAL LA SEBASTIANA
FERRARI 692, C° FLORIDA
VALPARAÍSO

TODAS LAS ACTIVIDADES
ENTRADA GRATUITA


"EL DÍA EN QUE LORCA ESTUVO EN LA PLATA" POR GUILLERMO EDUARDO PILÍA (ARGENTINA)



El 13 de octubre de 1933 llegaba a Buenos Aires vía Barcelona, a bordo del barco “Conte Grande”, el poeta andaluz Federico García Lorca. Según uno de sus más destacados biógrafos, Ian Gibson, aquí fue feliz y conoció por primera vez el éxito y el reconocimiento unánime de la crítica. También el del público, que llenó durante meses la sala del Avenida para disfrutar de “La zapatera prodigiosa”, obra que ya había estrenado con Margarita Xirgu en el Teatro Español de Madrid, pero de la que diría Lorca: “En realidad su verdadero estreno es en Buenos Aires y bailada por la gracia extraordinaria de Lola Membrives con el apoyo de su compañía”. García Lorca pronunció varias conferencias en Buenos Aires, vibró con el tango y se fascinó con la melancolía del bandoneón en las noches del Tortoni, donde se reunían artistas y poetas de la bohemia. Por aquellos días tal vez conoció y escuchó cantar a Gardel, al que según parece le dijo: “En la ciudad del tango tengo la fama de un torero”. También consolidó su amistad con Pablo Neruda, y organizó con él un homenaje a Rubén Darío que se convirtió en un libro con dibujos de Lorca. En Buenos Aires leyó a sus amigos “La casa de Bernarda Alba”, que pensaba estrenar en Madrid. En su habitación 704 del Castelar siguió escribiendo “Yerma”, que le tenía prometida a Lola Membrives. También habló por teléfono a España desde los estudios de Radio Splendid: “Nadie sabe, ni se imagina, la emoción simple y profunda que rodea mi corazón como una corona de flores invisibles al saber que en estos instantes mi voz se está oyendo en América y que, sobre todo, está vibrando en Buenos Aires enredada en el gran altavoz del bar o disminuida en la pequeña radio que tienen en su cuarto de estudiante o la muchachita que hace escalas en su piano. ¡Salud, amigos!”. Si bien la estancia de García Lorca en la Argentina transcurrió casi toda en Buenos Aires, visitó esporádicamente otras ciudades y localidades, como la finca de los Botana en Don Torcuato, el delta del Tigre, la ciudad de Rosario y la ciudad de La Plata, “la ciudad de los poetas”, a la que llegó con su uniforme de “La Barraca” para compartir un asado en la Escuela Anexa. También realizó un breve viaje a Uruguay, invitado por Juana de Ibarbourou. Federico dejó la Argentina el 27 de marzo de 1934. “Me voy con gran tristeza, tanta, que ya tengo ganas de volver”. “Buenos Aires es una ciudad maravillosa. Es como me gustaría que fuera España: cosmopolita, llena de amigos, desprejuiciada, tumultuosa, desbordante de vida y de cultura...”. Pero no se quedó. De haberlo hecho, no hubiera sufrido el destino que ya venía presagiando en sus poemas. Dos años después, Francisco Franco, al grito de “Viva la muerte”, se sublevó el 17 de julio contra aquella República a la que Federico apoyaba con toda su alma y su poesía, llevando el teatro a los pueblos y la cultura a una España rural casi analfabeta. Un mes después fue detenido por los falangistas y fusilado junto a un maestro y dos toreros anarquistas en Víznar, en su propia Granada. En el expediente podía leerse que Federico era “un escritor subversivo y un homosexual”. El régimen de Franco, que duraría 40 años, no se llevaba bien con cierta cultura, y el lugar que Federico había elegido para ver la vida estaba en sus antípodas. “Mientras haya desequilibrio económico –le había dicho a un periodista argentino-, el mundo no piensa. Yo lo tengo visto. Van dos hombres por la orilla de un río. Uno es rico, otro es pobre. Uno lleva la barriga llena y el otro pone sucio el aire con sus bostezos. Y el rico le dice: ‘¡Oh, que barca más linda se ve por el agua! Mire, mire usted, el lirio que florece en la orilla’ .Y el pobre reza: ‘Tengo hambre, no veo nada. Tengo hambre, mucha hambre’. Natural, el día que el hambre desaparezca, va a producirse en el mundo la explosión espiritual más grande que jamás conoció la Humanidad”. Pero volvamos a un año más grato, el de 1933. Si la visita de Lorca a la Argentina fue sobre todo visita a Buenos Aires, la que hizo a mi ciudad, a La Plata, fue, fundamentalmente, una visita a la Universidad Nacional de La Plata. No concretó ningún viaje a Mendoza, Tucumán ni Santiago del Estero, y también declinó la invitación de la Universidad de Córdoba. En cambio aceptó la del doctor Ricardo Levene, nuestro prestigioso historiador, que en ese entonces era presidente de la Universidad. El día señalado fue el 13 de diciembre de 1933, a dos meses exactos de su arribo a Buenos Aires. La escritora María Imelda Micucci reseñó esta excursión en un artículo de “La Plata, ciudad milagro”, basándose en los archivos del diario “El Día”. También en el Boletín de la Universidad puede leerse que recorrió las instalaciones, el Museo de Ciencias Naturales y la colonia de vacaciones. Una de las niñas presentes sería con los años la escritora Hilda Prieto Díaz. En la Colonia de Vacaciones de la Escuela Anexa se sirvió el almuerzo y los niños dramatizaron algunas escenas de “Pinocho” que conmovieron al poeta granadino. En su libro “Lorca, un andaluz en Buenos Aires. 1933-1934”, Pablo Medina recogió el testimonio oral del doctor Alberto Delmar, futuro neurólogo acreditadísimo, que había nacido en Ensenada en 1924, y que para entonces, con nueve años recién cumplidos, cursaba en la Escuela Anexa. Contaba el doctor Delmar que con varios días de antelación comenzaron los preparativos para el agasajo a García Lorca, y que los ensayos fueron en un clima de temor, porque el ilustre visitante se les presentaba como un hombre muy formal que iba a juzgar severamente la representación. El resultado fue, lógicamente, el contrario: García Lorca rió a carcajadas, aplaudió hasta desollarse las manos y abrazó y besó a los niños que habían representado “El país de los juguetes”. La adaptación de la obra de Collodi la realizó la profesora de teatro y declamación Agustina Fonrouge Miranda. Después de la función teatral y a pedido del doctor Ricardo Levene, García Lorca expuso ante los profesores y estudiantes sus ideas y experiencias acerca del teatro en la universidad, sobre la base del trabajo realizado en “La Barraca”, el teatro universitario español que él mismo había fundado y del que participaron importantes figuras de la intelectualidad de su tiempo, como soporte cultural de la República. Además del doctor Levene, recibieron a García Lorca en su fugaz pero perdurable visita el secretario de la Universidad, Antonio Amaral, el decano de la Facultad de Humanidades, profesor José Rezzano, el director de la Escuela “Joaquín V. González”, Vicente Rascio, además de otros invitados, como el dramaturgo español Gregorio Martínez Sierra y la joven titiritera María Luisa Madueño. Alguien dijo que García Lorca le escribió todo un libro a Nueva York, ciudad en la que no la pasó muy bien; un poema a Cuba (en realidad, a la ciudad de Santiago) y ni un solo verso a Buenos Aires. Sería mucho esperar que después de más de 80 años se descubriera alguna pieza desconocida en alusión a esa breve visita universitaria del miércoles 13 de diciembre de 1933. Quince años después, en la primavera de 1948, llegaría a La Plata otro andaluz universal, Juan Ramón Jiménez. La ciudad no los olvidó, aunque la mayoría lo ignore. Las dos diagonales que atraviesan la plaza Sarmiento, apenas de dos cuadras cada una (porque los poetas son para calles pequeñas, no para grandes avenidas ni bulevares) se llaman Juan Ramón Jiménez y Federico García Lorca. 


Guillermo Eduardo Pilía
Cátedra Libre de Cultura Andaluza
Universidad Nacional de La Plata, Argentina


MANUEL SILVA ACEVEDO (PREMIO NACIONAL DE LITERATURA 2016) OFRECERÁ UN RECITAL EN LA FUNDACIÓN NERUDA DE VALPARAÍSO, CHILE (CASA "LA SEBASTIANA") EL VIERNES 20 DE ENERO DE 2017





viernes, 13 de enero de 2017

PRESENTACIÓN DEL LIBRO DEL POETA CHILENO LEONARDO SANHUEZA "LA JUGUETERÍA DE LA NATURALEZA" EL MIÉRCOLES 18 DE ENERO DE 2017



EXPOSICIÓN SOBRE LA CULTURA MAPUCHE EN PARÍS, ENERO DE 2017




Á l'occasion de l'exposition photo "Mapuche, voyage en terre Lafkenche", le Musée de l'Homme vous propose ​un cycle de conférence 
​s​
 , rencontre 
​s​
 , projection 
​s​
 et 
​échanges en musique​
  pour découvrir la culture 
​M​
apuche
. Vous pouvez 
découvrir 
​les détails de l'exposition et rencontres​
 ici et également en pièce jointe
 . 
​ 

 Le samedi 21 janvier, 
​ ​
​journée​
 "entre art et sciences":

  • De 14h30 à 16h
Rencontre avec les artistes et scientifiques pour découvrir la genèse de l'exposition autour du film (40min). 
Avec Florencia Grisanti et Tito Gonzalez Garcia, artistes du collectif Ritual Inhabitual ainsi que Serge Bahuchet, ethnoécologue et Flora Pennec, ingénieur d'études en botanique et écologie, du Muséum National d'Histoire Naturelle - Musée de l'Homme.
  • ​De 16h30 à 18h
 Rencontre avec les acteurs du programme de Médecine Interculturelle dans les hôpitaux en terre Mapuche
Dans certaines régions où se trouvent des populations autochtones, il existe des pôles de médecine interculturelle publics où l'on peut aller voir un chaman et être remboursé par le système de santé chilien.
​Avec Rosa B​arbosa, chamane de l'hopital de Puerto Saavedra; Andres Paillaleo, coordinateur du Pôle de Médecine Interculturelle de l’hôpital de Puerto Saavedra et Digna Paillan Colihuinca, représante de communauté Mapuche de la région du lac Budi.

​N'oubliez 
​ pas​
 de consulter notre Agenda culturel du mois de janvier ainsi que ​notre calendrier prévisionnel pour 2017.

Nos cordiales salutations,

Ambassade du Chili
Service Culture 
​l​
2, av. de la Motte Picquet - 75007  Paris

PRIMERA FERIA DEL LIBRO DE CONCÓN, V REGIÓN (ENERO DE 2017)




1° Feria del Libro de Concón: sábado 14 de enero desde las 12:00 a las 20:00 hrs

El Centro Cultural Casa Abierta Enap invita a escritores locales, talleres literarios y editoriales, a participar de la 1° Feria del Libro de Concón que se realizará en dependencias del centro cultural, el sábado 14 de enero desde las 12:00 a las 20:00 hrs, contando con una programación de diversas actividades vinculadas al libro y la literatura, donde destacan cuentacuentos para niños(as) y toda la familia, junto a mesas redondas, lanzamiento de libros y presentaciones musicales finalizando con el destacado cantautor Eduardo Peralta.

Esta actividad pretende ser el punto inicial para la reflexión y análisis del estado de la literatura y/o iniciativas editoriales a nivel comunal, especialmente donde se detectan ausencias de propuestas que permitan el desarrollo de este fundamental aspecto de la cultural local.

El Centro Cultural Casa Abierta Enap con esta iniciativa, pone a disposición todas sus posibilidades para contribuir a mejorar las condiciones de circulación y debate respecto de la producción literaria, de tal modo se materialicen procesos culturales con identificación local y fomenten la práctica lectora.


ABIERTAS LAS INSCRIPCIONES PARA PASANTIAS 2017 EN EL ARCHIVO CENTRAL ANDRÉS BELLO DE LA UNIVERSIDAD DE CHILE



jueves, 12 de enero de 2017

HOMENAJE DE "DERRAME" A LA GRAN POETA CHILENA STELLA DÍAZ VARÍN, "LA PALABRA ESCONDIDA", CENTRO CULTURAL DE ESPAÑA, SANTIAGO DE CHILE EL JUEVES 19 DE ENERO DE 2017



DOS NUEVAS CRÍTICAS DE CINE DEL ESCRITOR CHILENO ANÍBAL RICCI



CUENTOS DE TOKIO (1953)
Dirigida por Yasujirô Ozu

La estética de esta película es exquisita. Planos fijos donde personajes entran y salen de escena, diálogos que los enfrentan, montaje a la usanza del ruso Eisenstein. Una pareja de ancianos (Shukichi y Tomi Hirayama) conversa de espaldas mientras la cámara los filma de perfil. Provienen del puerto de Onomichi, situado a muchos kilómetros, han llegado a Tokio con el objeto de visitar a sus hijos. Ozu sitúa el punto de vista en estos abuelos, los hijos les dan una fría bienvenida, los nietos son unos maleducados. No sólo los separa la distancia, sino también los muertos de la guerra, ellos provienen de la provincia y Tokio es una urbe donde sus habitantes, en busca de progreso, se desloman trabajando. Para el director Tokio es el telón de fondo, sus edificios son mostrados por escasos segundos. La conversación transcurre al interior de las casas, donde una cámara situada a ras de piso es testigo de diálogos intrascendentes, los hijos no tienen tiempo para desperdiciar con los viejos, los envían a un balneario de jóvenes donde apenas podrán dormir. Estos ancianos no quieren molestar, pero deciden volver para huir del ruido. Noriko (esposa de su difunto hijo) les brinda atención y los llevará a recorrer las calles de Tokio. Ozu utiliza el silencio para evidenciar la distancia emocional, los viejos observan el paisaje, descansan sobre el pasto, un breve travelling los filma de espaldas, caminando junto a un muro que los separa de sus hijos, de la ciudad y sus fábricas. Shukichi se emborracha con los amigos, uno ha perdido los hijos en la guerra, mientras Shukichi le confiesa que también está decepcionado porque sus hijos viven en barrios periféricos. Tomi (su esposa) sostiene un diálogo profundo con Noriko. A pesar de no ser hija de ellos, es la única que muestra una preocupación genuina, les tiene cariño, luego de enviudar no ha vuelto a casarse. Su casa es modesta, pero los atiende como reyes. Tomi ha estado sufriendo mareos, no parece nada importante, pero algo en su cuerpo expresa cierto malestar. El retorno a Onomichi empeora su salud y los médicos pronostican una pronta muerte. Los hijos acuden a verla en sus últimos minutos, luego la velan y asisten al funeral. Dejan al padre en compañía de Noriko, la única que lo acompaña en ese doloroso trance. Shukichi le pide que se case y reanude su vida, le agradece su bondad y reprocha a sus hijos, la distancia que los separa es insalvable. A pesar de su belleza, las imágenes ofrecen un tono melancólico, de gestos que desnudan incomprensión, donde los silencios son más significativos que los diálogos. La aparente simplicidad de la historia esconde conflictos de gran espesor narrativo. Existe distancia geográfica y afectiva, los bombardeos de la Segunda Guerra Mundial han minado las costumbres ancestrales, el boom económico de la recuperación no es más que un espejismo.



LA PALABRA (1955)
Dirigida por Carl Theodor Dreyer

Rigurosidad, austeridad, son palabras que definen el cine de este cineasta danés. Nació en Suecia como hijo ilegítimo y fue abandonado por su madre en Dinamarca. Su padre adoptivo era un rígido luterano, lo que podría explicar su férrea disciplina y su personalidad obsesiva a la hora de filmar. Esta película constituye su penúltimo trabajo, basado en una exitosa obra teatral escrita por el dramaturgo y pastor luterano Kaj Munk. Probablemente la cercanía con el mundo religioso, tanto del escritor como del director, hace que esta cinta aborde la religión con gran respeto, pero a su vez con una mirada sincera que interesará al espectador más ateo. Hay influencia de Shakespeare en los diálogos e incluso la temática recuerda al conflicto entre dos familias abordado en «Romeo y Julieta». La diferencia radica en que estas dos familias viven en un pequeño pueblo de Dinamarca y no son precisamente acaudaladas. La razón de su enemistad es de índole religioso: Morten Borgen (granjero) es luterano y Peter Petersen (sastre) predica las antiguas escrituras. Sus hijos están enamorados, pero el sastre rechaza al hijo de Borgen (Anders) debido a que su religión no es merecedora del Paraíso. Se prescindió del montaje para construir las escenas (los personajes ingresan y abandonan el encuadre), pero de todas formas Dreyer se mantuvo fiel a su impronta narrativa. Otro personaje shakesperiano es Johannes (el hijo loco de Borgen), ex estudiante de teología, que en sus delirios representa la reencarnación de Cristo. Emplea un lenguaje más teatral, predicando la palabra de Dios en la tierra, manifestando que ni siquiera los creyentes tienen verdadera fe. Los diálogos manifiestan la intolerancia existente entre las distintas religiones, su relación con la ciencia, pero sobre todo la relación entre la religión con la vida y la muerte. Se puede ser ateo (como Mikkel, el hijo mayor de Borgen), pero la tesis planteada es que el hombre debe perseguir la bondad y el amor. Dreyer también aborda temas como la culpa y el dolor, pero enaltece al amor como vertiente fundamental de la vida. Intuye que para sentir la fe hay que tener la inocencia de los niños. Sólo mediante la fe ocurrirá el milagro de hacer desaparecer las diferencias religiosas. El cine de Dreyer rehúye lo mundano, establece conexión con los conflictos internos del ser humano, siendo la intolerancia un tópico recurrente. La fotografía en blanco y negro sería su sello de fábrica, acorde a la severidad estética y temática de su obra.

miércoles, 11 de enero de 2017

"POEMA DE CHILE": LA ESCRITURA SOLO ACABA CON LA MUERTE CIERRA SU CICLO EN LA "SALA MUSEO GABRIELA MISTRAL" DE SANTIAGO DE CHILE (2017)




La Sala Museo Gabriela Mistral, espacio museal de carácter público ubicado dentro de la Casa Central de la Universidad de Chile, rinde homenaje a la poeta a través de una muestra que va en consonancia con su espíritu. Conscientes de la responsabilidad que recae sobre la Universidad en materias de educación pública y democratización de la cultura, la muestra “Poema de Chile: la escritura solo acaba con la muerte” pretende ser un lugar de encuentro que promueva la reflexión, crítica que cuestione de problemas pasados y presentes, un espacio activo y creativo, que se haga cargo de temáticas como género, interculturalidad, sexualidad, educación, entre otras.

A más de un año de su apertura, Poema de Chile cierra su ciclo en la Sala Museo Gabriela Mistral el próximo 21 de enero con una serie de actividades acorde a su esencia y en la búsqueda de extender el quehacer cultural, el mismo 21 de enero en que hace 60 años su cuerpo abandonara el Salón de Honor de la Universidad de Chile, tras haber recibido los merecidos honores funerarios. 

CRÍTICA A "ÉCRIT DANS UN MIROIR" DEL POETA CHILENO ANDRÉS MORALES POR EL ESCRITOR Y ACADÉMICO DE LA UNIVERSIDAD DE CHILE, PROF. DR. CRISTIÁN CISTERNAS EN LA "REVISTA CHILENA DE LITERATURA", NÚMERO 93, SANTIAGO DE CHILE, NOVIEMBRE DE 2016




Andrés Morales.
Ecrit dans un miroir. 

Traduit par Patricio García. Paris: L’Harmattan, 2015, 76 pp.


Ecrit dans un miroir es la traducción de Escrito, poemario de Andrés Morales publicado por Mago Editores, una editorial independiente, en el año 2012. Que la presente edición bilingüe sea una traducción de textos que ya, de por sí, se plantean como traducciones de poemas posibles o probables, mas no rastreables en enciclopedia alguna, constituye una bella provocación a las nociones de autor, de seudo-autor, de lo universal y de lo local, de la oralidad versus la escritura.
Uno de los núcleos de la poesía de Andrés Morales dice relación con la voz que se convierte en decir, y con el decir que se trasunta en dicha grafía, no solo como tal (copia carbónica), es decir fantasma de la palabra, sino escritura como ejercicio del decir, para decirlo con el título de uno de sus poemarios. Acto de recuperación, invocación del espíritu de la letra, sumida en el Orco del olvido a falta de lectores. La escritura como técnica (tejné) en el más amplio sentido de la palabra: maniobra enseñada de maestro a discípulo, arte manual y, por lo tanto, alquimia. Si la escritura es una especie de transmutación alquímica –temática que se sugiere constantemente en el texto de Andrés Morales, y que pre-existe, por ejemplo, en la poética de Octavio Paz– entonces hay que recordar que el alquimista ayuda a la naturaleza a alcanzar su perfección –y con ésta, la del propio alquimista. Trabajo material y espiritual; acto manual y trascendente que, a través de las geometrías agudas o curvas de las incisiones escriturales, busca imprimir lo universal en lo perecedero. Así, leemos en el poema "Escrito en acadio":
Es solo la grafía,
El recto, agudo, zurdo y diestro peso
Del pincel o de la pluma o de la mano.
Es la mancha original y es el deseo
De una gran palabra que todo lo diga,
Que lo cubra todo, que lo explique
O nunca explique nada, que lo entone
Y suaves consonantes y ágiles vocales
Habrán de pronunciar su claro acento.
Es la línea horizontal, el solo trazo
Que dejó en Babel el escribano.
La alquimia del secreto, del poema
Que abre al fin sus puertas al herido,
Al niño que comprende en el silencio
El gesto curvo del maestro,
El aire que ya fue y permanece.
(Morales 14)
De este breve poema se desprende prácticamente el arte poética de la poesía de Andrés Morales, especialmente desde Demonio de la nada (2005). En primer lugar, el texto sugiere la identificación total, transubstanciación, entre grafía, mano, pincel y pluma, es decir, entre el objeto de la tejné, la tejné misma y el miembro del cuerpo que la ejerce. La grafía nos remonta a un origen: la mancha, especie de espejo borroso proyectado por la libido, exceso de libido que nos lleva a escribir y sobre-escribir otros deseos primigenios. En un giro perfectamente borgiano ("El espejo y la máscara", de El libro de arena), la condensación de la grafía aspira a la ejecución de un aleph o signo total: nostalgia de una unicidad que se resiste a desaparecer en el inconsciente colectivo de Occidente. La palabra o el silencio: la condensación de lo revelado yace en las grafías, las unidades mínimas del lenguaje. La alusión a la alquimia nos remonta al origen, nuevamente, a las primeras civilizaciones que emplearon la escritura cuneiforme para datar, en toscas tablas de arcilla, información burocrática, inventarios y censos. Pero en medio de esta rutina del escribir –esta mecanización de la escritura que hasta hoy nos embarga–, se esconde un secreto, una tradición oral y gráfica que se transmite de maestro a discípulo y que introduce el tema del esoterismo, de esa hermeticidad que reprochan los poetas de la claridad desde el conocido Manifiesto de Nicanor Parra. El aire, lo curvo, la fusión de la geometría biológica, de las formas de la physis con lo geométrico y rectilíneo, se transforma en poema, objeto de técnica, que alberga en su espacio el dolor del herido (hay que herir, hay que hacer incisiones para escribir) y el asombro del aprendiz, novato de la palabra.
Pienso que Andrés Morales busca superar, así, la aporía –falsamente planteada en algunos períodos de la teoría literaria, a mi parecer– entre palabra y escritura, entre oral-decir y silencio-escribir. Efectivamente, en Ecrit dans un miroir, el poeta rescata voces que, al ser ficcionalizadas por la enunciación, adquieren la resonancia que sus gargantas, largamente agostadas o derruidas ya, alguna vez tuvieron o pudieron tener como posibilidad abierta. Si algún erudito de los estudios literarios quisiera reducir la originalidad de Escrito a la fórmula postmoderna, o simple ecuación que "todo escolar sabe" (como decía Gregory Bateson), de escritura igual a cita igual a parodia igual a gesto gratuito, debe retroceder y armarse de sus mejores recursos teóricos para afrontar el desafío que la lectura de Escrito representa. Voces del pasado: de Acadia, de Egipto, de la civilización aria, del mundo azteca, de Alemania bajo el régimen nazi, de Roma, de Córdoba, del Imperio azteca, etc., adquieren vida y actualidad no por mecanismo de impostación o testimonio directo, sino por la esencia misma de la intertextualidad como mecanismo para traer vida a los discursos olvidados, demasiado recónditos o privados para ser considerados por los estudios de la cultura y sus grandes lineamientos críticos. Lo dice claramente el autor en el prólogo de la edición bilingüe que manejamos: "Estos textos son el resultado de una recreación ficticia y de una investigación sistemática sobre las distintas escrituras que han existido a los largo de la historia"1.
Hace ya tiempo que no se discute la potencia de la ficción como discurso emulador de la mente, de los pensamientos fugitivos, de las imágenes del inconsciente. La ficción no puede ni debe pertenecer a los registros oficiales, colectivos; antes bien, proviene del ejercicio de una memoria individual, la memoria del sujeto que no se construye con los ladrillos ideológicos y lineales que algunas teorías quieren, sino que debe lidiar contra su propia amnesia, sus fantasías, sus fobias; la ficción avanza y retrocede en el tiempo-espacio, descubriendo o redescubriendo registros que interpretan y complementan voces virtuales o probables. Así, se siente el dolor y la angustia por la precariedad de la voz, por las palabras que se escriben con sangre y por las que no quedan escritas. Singular es aquí, como ya hemos visto, la invocación a la alquimia, ejercicio calificado de hermético por quienes quieren colectivizar la palabra a toda costa. Sin embargo, el gran descubrimiento de Andrés Morales en este libro que está destinado a marcar un antes y un después en la literatura chilena contemporánea (como lo dijo la poeta Teresa Calderón, en su momento, durante la 32º Feria Internacional del Libro en Santiago) es que la palabra nunca ha dejado de pertenecer al colectivo, sino que han sido los "poderosos" y los "influyentes" quienes han armado los cánones –conservadores o rupturistas– que excluyen la voz de "aquellos que nunca la tuvieron (…) o que en muy raras y escasas ocasiones esbozaron unas pocas líneas"2. Las voces del suicida político, del analfabeto que dicta una esquela doméstica, del hombre africano perseguido en Ruanda. Y estas voces existen porque en el laboratorio del poeta alquimista fueron capturadas en su potencial, fugitivo vuelo, fijadas con primor y dolor en la página y coaguladas para siempre en el texto-objeto del poemario.
Por otro lado, no puedo dejar de observar en la poesía de Andrés Morales las constantes alusiones a la transcodificación musical de la palabra, acaso rastreable a Fray Luis de León; la palabra es cántico, mantra, que se opone a, y lucha por sobreponerse al ruido de los cristales rotos, al enmudecer del prisionero, a la afasia del enfermo. Especialmente impresionante es el poema "Escrito en las piedras de Angkor-vat", que plantea el problema del analfabetismo; la incapacidad de leer sin siquiera descifrar aparece, con un pesimismo digno del libro del Eclesiastés, como un índice de un estado de mundo arruinado3 enmudecido por una catástrofe ecuménica, en un orbe abandonado por los dioses, y que ha perdido la capacidad de escuchar: "Porque el mundo es analfabeto y así debe quedar" (Morales 49).
Por otro lado, un fenómeno que sí se ha descubierto y estudiado es el vértigo intelectual con que el lector es invitado a jugar, a co-crear estos poemas de dolor y soledad. Precisamente, al leer estos poemas de Morales se pierde rápidamente la inocencia (si es que alguna vez la hubo) de una lectura única, monolítica, comprometida con una versión de la verdad (histórica, estética, existencial), y se reconoce que el estatuto de la ficción desdibuja la noción de autor, e incluso de verdad, y nos enfrenta a una especie de médium que invoca voces o las recrea conjeturalmente, trabajando por igual con las fuentes consultables como con las bibliografías virtuales, apócrifas (Borges) o aun –tal vez– no descubiertas . Así, las voces de un oráculo de Delfos (de una pitonisa poseída por una sagrada intoxicación), de un pseudo Virgilio o un imaginario Dante se codean y coexisten fuera de todos los márgenes canónicos y contra-canónicos con las reflexiones de un anónimo soldado coreano, de un enfermo terminal, de un poeta menor (no podemos dejar de pensar aquí en Borges y su texto "A un poeta menor de la antología"). Se hace trizas, así, la noción de identidades locales que se rescatan, se visibilizan, se posicionan o se contraposicionan en una especie de resistencia de maquis o francotirador. Lo que Escrito plantea, al fin y al cabo, es la existencia de un multiverso de autores reales, imaginados, soñados como posibles o probables, traducidos efectivamente y pseudo-traducidos ficcionalmente, ofrecidos al lector como piezas de un mosaico que podría armarse en la virtualidad de la Internet o en la cátedra de un seminario de grado en una facultad humanística. Da lo mismo, pero no da lo mismo.
Retraducida esta poesía-ficción, adquiere un carácter de dominio casi universal. Enorme confianza, fe y esperanza en que la traducción salva y no traiciona: el trabajo de Patricio García, fiel a los ritmos y la extensión de los versos, espejea las traducciones de otros académicos y poetas que colaboraron en la edición original en español. ¿Cuál es el efecto práctico o el impacto de ofrecer un texto que se advierte como no original en su gestación, pero original en la elección de las referencias, de los hipertextos, de las dedicatorias, de los estilemas imitados primorosamente? En un mundo que no llamaremos globalizado –término, a estas alturas, objeto de abuso– pero sí hiper-conectado, ya sea en presencia o soledad, en silencio de quien no tiene acceso a Internet y en verborrea del que sí tiene acceso y chatea sobre lo humano y lo divino, la traducción y la poliglosia deberían ser un estado natural tanto del poeta como del ciudadano o del sujeto aborigen. La limitación a un par de lenguas aparece como un empobrecimiento frente a la multiglosia que, según nos señalan los arqueólogos, se daba en la Antigua Grecia, en Fenicia o Roma, y se da, actualmente, en Grecia, París o Bombay. Escrito, entonces, plantea, más allá del desafío hermenéutico solitario, la apropiación privada de los dolorosos o sublimes pensamientos de las seudo-voces paradójicamente fijadas por un escritor fantasma, la aspiración a entender la literatura actual como una conjunción de hipertextos que saltan desde el pasado, se asientan en el presente, tórnanse apócrifos borrando sus huellas, pero que dejan las pistas suficientes para incitarnos a buscar el original que no existe, pero que existe como conjetura. Y desvela lo pequeño de la aspiración a manejar una segunda lengua, a nivel de usuario, frente a la enorme biblioteca real o imaginaria que se crea y recrea todos los días, frente al discurso planetario que fluye y borra fronteras barriendo todo a su paso.

Notas
1 Morales, Andrés, Ecrit dans un miroir, p. 15.
2 Morales, Andrés, Ecrit dans un miroir, p. 15.
3 Ver: Escenas del derrumbe de Occidente, publicado por Andrés Morales en el año 2014 por DscnTxT Editores.

Cristián Cisternas
Universidad de Chile
revolucion78@gmail.com


PROF. DR. CRISTIÁN CISTERNAS